François 15 chansons de St. Vincent pour les fans de rock and roll
La chanteuse et guitariste américaine de pop rock et d’art rock St. Vincent est sur le point de sortir son sixième album solo – sans compter celui qu’elle a sorti avec David Byrne – et est la coqueluche des critiques, à tel point que tous ses albums ont toujours eu de très bonnes critiques et une approbation croissante.
Le prochain album a déjà un nom, « Locked and Loaded », et sera fortement influencé par des artistes tels que Stevie Wonder et Sly and the Family Stone. Une récente interview avec Mojo Magazine a déjà révélé qu’il y aura des changements radicaux par rapport au concept grandiose, basé sur la synthpop, de leur dernier album et de leur dernière tournée.
Que l’on apprécie ou non les travaux novateurs d’Anne Erin Clark (son vrai nom), force est de reconnaître qu’elle a toute sa place sur la scène musicale du XXIe siècle. C’est pourquoi j’ai passé ses albums au peigne fin, même s’il est difficile de trouver quelque chose de plus rock, surtout sur les deux premiers. Aux spectacles, les choses s’améliorent.
Anne a déjà révélé qu’elle s’est abreuvée aux fontaines d’artistes dont l’originalité est une caractéristique forte, tels que : David Bowie, Kate Bush, King Crimson, Pink Floyd, Talking Heads, Jimy Hendrix, Patti Smiths, Tool et Siouxsie Sioux. Cependant, son son semble également influencé par des noms comme Prince, Kraftwerk, Devo et Fank Zappa.
Clark a enregistré deux albums entiers sans basse, « Strange Mercy »(2011) et « St. Vincent » (2014), en utilisant des synthétiseurs pour faire les bases, donc vous trouverez difficilement sur un album de la sienne quelque chose d’innovant avec cet instrument, comme l’ont fait, par exemple, Chris Squire (Yes), Geddy Lee (Rush) ou John Entwistle (The Who).
Ce que nous trouvons dans son travail, c’est une belle voix, beaucoup d’innovation dans l’aspect compositionnel et une guitare jouée de manière sale et non conventionnelle, mais il n’y a rien de nouveau en ce qui concerne la batterie, la basse ou les claviers, par exemple, et même les paroles, lorsqu’elles sont analysées calmement et en détail, n’impressionnent pas tant que ça.
Le compositeur utilise des jeux de mots créatifs, mais ils ne s’approchent pas de quelque chose de plus profond ou de vraiment ingénieux. Dans certains textes, la solution simpliste à tout problème est le cliché fatigué « trouvez votre meilleure moitié, seul l’amour peut le résoudre ». Les rimes ne sont pas non plus très élaborées, du moins dans la plupart des chansons.
Des textes existentialistes, presque lysergiques, parfois prétentieux et pas toujours avec un contenu utile ; la plupart du temps, il s’agit juste de pessimisme sans le souci de proposer des antidotes, sauf des palliatifs et des anesthésiants pour la dure réalité (les drogues). C’est un pur nihilisme produit par un vide existentiel complet apparent.
« Marry Me »
Le premier CD pessimiste « Marry Me » (2007) fait la part belle à l’expérimentation et à l’avant-garde, mais il est rempli de ballades dont les mélodies semblent inspirées des chansons des années 1940 et 1950, aussi paradoxal que cela puisse être ; le nom de ce premier CD pourrait même être quelque chose comme : « Je veux être la nouvelle Édith Piaf » ou quelque chose de similaire.
En outre, le morceau instrumental « We Put a Pearl in the Ground », par exemple, a été joué par l’excellent claviériste Mike Garson, qui a travaillé avec David Bowie, The Smashing Pumpkins et Nine Inch Nails, mais le résultat est une chanson triste à écouter dans un ascenseur ou dans le cabinet d’un dentiste.
L’ensemble du CD est presque insupportable pour un rockeur à la première écoute, mais cela s’améliore (juste un peu) par la suite. Quoi qu’il en soit, on ne peut nier le côté novateur et expérimental de l’album qui compte quelques grands musiciens, bien qu’il ne s’adresse en aucun cas au public plus proche du bon vieux rock and roll.
En cuisine, la chanteuse, compositrice et guitariste elle-même a décidé de s’occuper de la basse, sauf sur « Now, Now » (où elle est jouée par Mark Pirro), après tout c’était son CD, mais ce n’était pas une bonne idée ; à la batterie, c’est Brian Teasley, le batteur et fondateur du groupe de surf rock, Man or Astroman, qui a fait le travail.
Les paroles de la chanson-titre « Marry Me » signalaient déjà la multipolarité de l’auteur : « Je suis inconstant comme une poupée de papier que le vent secoue ». Les paroles de « Jesus saves, I Spend » suggèrent que chercher le salut de l’âme serait stupide, la meilleure chose à faire serait de se casser la gueule. Philosophie superficielle, philosophie de bar, creuse, comme je l’ai dit.
En revanche, la chanson « Your Lips Are Red » (ci-dessus) a un meilleur texte, mais il est supportable. Cependant, elle possède une mélodie orchestrée qui sonne comme quelque chose de feu Frank Zappa (sans les spectaculaires musiciens de Mothers of invection) et où le talentueux pianiste Mike Garson, mentionné plus haut, se distingue.
« Acteur »
Sorti en 2009, le deuxième album est assez sombre mais il est meilleur que le précédent, malgré le tas de chansons lentes avec des paroles prétentieuses pleines de pseudo-philosophie et qui parlent de l’agonie de l’auteur d’être en vie, comme les monotones : « Neighbours », « Save Me From What I Want » et « Laughing With a Mouth of Blood ».
Ces ballades lentes donnaient le ton d' »Acteur » et utilisaient dans les paroles la formule infaillible pour plaire, au XXIe siècle, aux critiques spécialisés, détachés et beaucoup plus « intelligents » que le reste de l’humanité : nihilisme, désespoir, ironie sur le christianisme, vide existentiel, bad trips et gueule de bois.
Mais « Black Rainbow » et « The Party » sont très ennuyeux et joués dans un style pop baroque, avec des mélodies qui nous rappellent même certaines fausses chansons MPB – je ne parle pas des grandes de la musique nationale, mais de certaines chansons faites par des compositeurs du deuxième ou troisième échelon, si vous voyez ce que je veux dire.
Cependant, tout n’était pas que des épines, « Actor » avait deux vrais bassistes et a apporté les chansons : « Marrow », qui est bien meilleure lorsqu’elle est interprétée en live (comme dans la vidéo ci-dessus) ; la pop rock « Actor Out of Work » et l’agréable « The Strangers », qui commence de manière fastidieuse, mais culmine un peu plus rock.
« Strange Mercy »
La troisième œuvre baptisée « Strange Mercy » (2011) est bien meilleure que les deux premières et se promène à travers plusieurs styles : progressif, art rock, post-punk et art pop. Dans les paroles, des messages à double sens et les mêmes thèmes que toujours : critique du christianisme, ennui, autodestruction, nihilisme, anxiété, désespoir et ainsi de suite.
Enregistré sans basse, l’album a donné naissance aux excellents titres « Cheerleader » (dans la première vidéo de cet article) et « Strange Mercy » (ci-dessous), bien que tous deux soient bien mieux joués en concert. « Surgeon » (ci-dessus) et « Northern Lights » sont épicés par un son de guitare volontairement sale et méritent donc aussi d’être mentionnés.
Certaines chansons de « Stange Mercy » ont bénéficié de nouveaux arrangements et de beaucoup plus d’énergie sur scène lors des tournées 2017 et 2018. Au début de cet article, vous pouvez voir St. Vincent jouer « Cheerleader », mon morceau préféré, accompagné de Toko Yasuda (basse et synthé) Daniel Mintseris (claviers) et Matt Johnson (batterie).
« St. Vincent »
Le quatrième a été nommé simplement « St. Vincent » et est sorti en 2014. Un autre album qui a été acclamé par la critique et dans lequel beaucoup de synthétiseurs et de pédale fuzz sur la guitare ont été utilisés à nouveau. Un autre travail sans bassiste et imprégné de chansons aux rimes très faibles et parlant de sexe occasionnel, principalement.
Les points forts sont « Huey Newton » (ci-dessus) et « Psychopath », réalisés avec une approche légèrement plus rock. De son côté, « Strange Mercy » est une ballade cool, et « Prince johnny » est une chanson pop au-dessus de la moyenne que vous pouvez écouter pendant que vous travaillez, faites la vaisselle ou rangez votre chambre.
« Masseduction »
La cinquième œuvre s’appelle « Masseduction » et est enregistrée en deux jours avec du matériel que Clark a accumulé pendant sa tournée. Pour le produire et créer une atmosphère de style années 80, Jack Antonoff, vocaliste du groupe Bleachers, a été invité. Cet album sorti en 2017 mérite une mention spéciale.
Ce crack mettait en vedette Jenny Lewis, chanteuse du groupe de rock indépendant Rilo Kiley, et faisait également appel au très réputé bassiste Pino Palladino, qui a travaillé avec The Who, Jeff Beck, Nine Inch Nails, John Mayer Trio et d’autres grands noms du rock and roll.
Le concept des années 80 comprenait des accessoires en latex, des visages couverts et des interviews à l’intérieur d’un cube rose vif. Il s’agit de son meilleur travail et il a également reçu un accueil unanime de la part des principaux spécialistes, avec notamment le tube « Los Ageless » (ci-dessous), l’excellent « Pills » (ci-dessus), le bon « Savior » et l’agréable chanson titre.
Mais tout n’était pas rose : la chanteuse a tellement sucé « Lucy in the « Sky with Diamonds », des Beatles, pour l’utiliser sur « Happy Birthday, Johnny », qu’elle a dû laisser une marque de suçon de vampire sur le cou de Paul McCartney ou sur le cadavre de John Lennon ! Ce manque d’originalité était très mauvais.
Les paroles de la chanson cadencée « Slow Disco » (ci-dessous) révèlent la prédilection de l’auteur pour les rythmes lents, qui, d’une certaine manière, ont éloigné sa carrière du rock. Contrairement à la plupart des chansons de Clark, « Young Lover » a de bonnes paroles sur le suicide d’un jeune homme, bien que le rythme n’ait rien à voir avec le rock.
« Masseduction » contient des paroles destinées à ceux qui n’ont aucun des problèmes que la plupart des gens ont – liés au travail, à la santé ou à la famille – à l’exception peut-être des relations sexuelles, et inspirées par des préoccupations existentialistes fabriquées par l’esprit d’un rebelle sans cause.
Réflexion sur St. Vincent
Dans d’autres décennies, des substances comme la marijuana, la cocaïne et le LSD, principalement, ont été ajoutées aux discours utopiques de la contre-culture et des révolutionnaires. Bien qu’ils soient délivrés sans ordonnance, ces médicaments représentaient l’espoir (erroné) d’un remède contre certains des principaux maux du monde : guerres, pauvreté, violence, etc.
Les drogues semblent être entre les lignes des paroles ou implicites dans l’œuvre de l’artiste, conférant un certain « glamour », mais la mort de tant de nos héros par overdose, comme le dit la chanson de Cazuza, a enlevé toute aura de quelque chose de bon dans tout cela, y compris l’alcool, dont ont été victimes John Bonham, Bons Scott et Jimi Hendrix.
En fait, les drogues de synthèse sont devenues le nouveau moyen « bon marché » de combattre l’ennui et sont utilisées à grande échelle par le beau monde des grandes métropoles du premier monde comme New York, la ville adoptée par le talentueux Clark. Cela explique peut-être pourquoi elle a été trop vénérée.
Questions sur St Vincent
Les tournées qui suivent la sortie de « Masseduction » marquent des changements radicaux dans la carrière de l’artiste jusqu’alors discret, qui porte des tenues beaucoup plus petites et plus sexy. Elle a également coupé ses cheveux indisciplinés et a adopté un look Chanel lissé comme beaucoup de mannequins qui font la couverture des meilleurs magazines de mode.
Il s’agissait de tournées au son caoutchouteux, aux costumes synthétiques, voire plastifiés, qui rappelaient les années 80, lorsque les synthétiseurs étaient une grande nouveauté et se répandaient comme une peste sur les albums studio d’artistes de différents styles, remplaçant les batteurs, bassistes et guitaristes de chair et de sang.
C’est peut-être pour cette raison que les tournées spéciales qui ont beaucoup investi dans l’image ont utilisé un look robotique, et que St. Vincent a adopté sur scène l’apparence d’une poupée avec des maillots de bain décolletés révélateurs qui composaient un étrange look androïde-futuriste inspiré du film « Barbarella ».
Un détail plus technique de cette époque sont les guitares au format identique et innovant, chacune d’une couleur, utilisées par Annie et qui ajoutent encore plus au look robotique, fruit d’un partenariat avec la société Ernie Ball Music Man, qui a créé une ligne spéciale de guitares avec le nom St. Vincent Signature Collection.
Collaborations avec St. Vincent
Parmi les collaborations les plus cool du lauréat des Grammy Awards, il convient de mentionner la participation avec Nirvana au Rock and Roll Hall of Fame (au début de ce billet), le partenariat qui a même débouché sur un album avec l’ancien leader des Talking Heads, David Byrne, et le remix de « Uneventful Days » sur l’album de Beck.
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